(The Guardian) – “Berlinalja” mund të mos jetë aq e shkëlqyeshme sa festivalet e tjera të mëdha evropiane si ai i Cannes dhe i Venecias, por di si të shfrytëzojë sa më shumë atë që mund të quhet “fuqia etike e yjeve”. Prandaj Steven Spielberg, ishte i pranishëm këtë vit për të pranuar “Ariun e Artë” për arritje jetësore, i cili mbajti një fjalim elokuent për jetëgjatësinë, shërimin dhe, siç i ka hije vendit, peshën e historisë. Prandaj mendja serioze, aktorja hollivudiane, Kristen Stewart, ka kryesuar jurinë në të cilën janë përfshirë ylli iraniano-francez Golshifteh Farahani dhe fituesit e mëparshëm të “Berlinales”, regjisorët Carla Simon dhe Radu Jude, një formacion që duket i gatshëm për të bërë zgjedhje të guximshme çmimesh.
Por ekziston edhe tradita e kahershme e “Berlinales” për të kombinuar prestigjin e tapetit të kuq me njëfarë zelli që nuk lulëzon gjithmonë në ekran. Shembull kryesor këtë vit ishte “Golda” një dramë solemne për kryeministren izraelite, Golda Meir dhe luftën e Yom Kippur, ku një performancë solide e jep Helen Mirren që shfaqet e zhytur në mendime, vetëm për t’u mahnitur nga grimi i saj i pazakontë. Më pas ishte dokumentari “Superpower” i Sean Penn kushtuar Ukrainës, me bashkëregjisor Aaron Kaufman. Në të godet biseda e Volodymyr Zelenskyt që lihet në hije nga hiperventilimi narcist rreth asaj se sa e mahnitshme do të ishte të kapej Sean Penn në “Whirlwind of History”. Ishte pjesë fenomenale, e këshilluar keq; në të kundërtën, “Eastern Front”, nga vetë Ukraina ishte marrëveshja e vërtetë, dokumentar i matur, urgjent dhe thellësisht shqetësues nga Vitaly Mansky dhe Yevhen Tiarenko, i bazuar kryesisht në pamjet e këtij të fundit, të xhiruar me një ekip vullnetar mjekësor në detyrë.
Ndërkohë, festivali filloi me një notë të pëlqyeshme për turmën e mbledhur, edhe nëse ata ishin shakaxhi. Filmi hapës “She Came to Me” i Rebecca Millerit ishte përmbledhje, komedi për një kompozitor operistik të bllokuar (Peter Dinklage) i cili rikuperon mojo-n e tij falë një kapiteneje të varur pas romantikes (Marisa Tomei). Ai përzjeu në mënyrë të sikletshme avancimin urban me budallallëkun e qëllimshëm, por që shfaqet në mënyrë të ashpër – jo më pak nga Anne Hathaway.
“Berlinalja” është parë shpesh si programuese me shumë zell, respekti i saj për artin kinematografik shpesh eklipsohet nga ndjenja e përgjegjësisë politike. Sidoqoftë, këto ditë, nën drejtimin e Carlo Chatrian dhe Mariette Rissenbeek, Festivali është i patrembur për vendosjen e kinemasë në plan të parë me shkronjën “C” të madhe, me një sy në aventurë. Konkursi i këtij viti përfshinte disa filma që ishin aq sfidues sa kemi parë për një kohë, së bashku me të tjerët që ishin tejet të qasshëm. Kishte një turmë në formën e “Suzume”, nga mjeshtri japonez i animacioneve Makoto Shinkai (“Your Name”, “Weathering With You”). Duke ekzistuar një pikë e çuditshme e romancës së YA në dramë dhe gara kundër kohës së apokalipsit, ajo kërkon tolerancë për “kitsch-in” vizual dhe “kawaii-n” e lezetshëm, por nuk mund të mohohet se aventurat e një vajze adoleshence, një mace djallëzore dhe një karrige që flet ishin shpikje e çmendur.
Konkurrencë më e heshtur erdhi direkt nga premiera në “Sundance”: “Past Lives”, filmi debutues i skenaristes koreano-kanadeze Celine Song. Bëhet fjalë për dy fëmijë koreanë që ndajnë rrugët, por ribashkohen vite më vonë kur djali (i luajtur si i rritur nga Teo Yoo) udhëton në New York për të vizituar vajzën që tashmë ishte shkrimtare (Greta Lee). Filmi me interpretim të bukur, me nuanca të pasura të muzave të filmit për kohën, identitetin dhe konceptin korean të quajtur “in-yun”, në lidhje me fatin dhe shtresat e lidhjes ndërmjet njerëzve. “Past Lives” ka dëshmuar se një dramë tërheqëse komerciale edhe sot mund të kombinojë inteligjencën e të rriturve dhe delikatesën emocionale. Ka qenë ndoshta filmi më i pëlqyer, thellësisht i adhurueshëm dhe, me siguri do të pushtojë qarkun e çmimeve një vit më pas.
Sigurisht se ishte filmi më i drejtpërdrejtë emocionalisht që ishte në konkurrencë, së bashku me “Totem” një dramë familjare nga regjisorja meksikane Lila Aviles, pas debutimit të saj me “The Chambermaid”. Kjo pjesë e gjallë e ansamblit mbulon një ditë në jetën e një familjeje artistike të qytetit të Meksikës, teksa ata festojnë ditëlindjen e vëllait të tyre të sëmurë. Gjithçka shihet kryesisht nëpërmjet syve të vajzës së tij 7-vjeçare, rol i luajtur bukur nga e sapoardhura Naima Senties që bart ngarkesën e vërtetë emocionale pa kaluar në ndjenja.
Në përgjithësi, konkurrenca u përcaktua nga avantazhi i saj për përballje. “Disco Boy” që kishte debutuar në Francë i Giacomo Abbruzzese, me aktorin gjerman Franz Rogowski përshkruan paralelisht jetën e një aktivisti afrikan dhe rekrutimin në Legjionin e Huaj Francez; është film me inteligjencë të çeliktë dhe stil të fortë e të dislokuar që premton shumë, por jo me përfundim të kënaqshëm.
Në anën tjetër, “Manodromi” i regjisorit John Trengove nga Afrika e Jugut, është e fundit në atë që me siguri do të jetë një cikël i gjatë i filmave për “meshkujt toksikë në krizë”. Yjet e “Jesse Eisenberg” me tërbimin e ndrydhur si një shofer taksie që bie nën ndikimin e kultit mizogjen mashkullor, të udhëhequr nga një Adrien Brody pa probleme. Është intensiv si ferr, por prapë nuk e ka të qartë nga t’ia mbajë.
Megjithatë, filmat e tjerë e dinin saktësisht se ku po shkonin, por kishte besim shtesë për ta mbajtur audiencën të hamendësonte. Filmi që krijoi tërësisht botën e tij dhe rregullat e veta ishte “The Survival of Kindness” nga veterani australian Rolf de Heer. Është një dramë përtej distopikes, pa dialog – ose më mirë, me pëshpëritje në gjuhën pothuajse të paidentifikueshme. Një heroinë e moshës së mesme, e renditur nën titullin “Black Woman” dhe e luajtur nga Mwajemi Hussein, çlirohet nga robëria në kafazin metalik, më pas endet nëpër një shkretëtirë përpara se të arrijë në një zonë industriale djallëzore të qeverisur nga një njerëz me maska gazi. Pjesërisht është një shëmbëlltyrë për racën, kolonializmin dhe rezistencën, pjesërisht është një ëndërr vizion me një prekje të Jorge Luis Borges, që ishte një nga filmat më origjinalë dhe më imponues këtu, megjithëse vështirë se është më i lehtë për t’u pëlqyer.
Ishte një nga dy filmat e guximshëm australianë në garë: tjetri ishte “Limbo” i regjisorit indigjen Ivan Sen , i cili me siguri nuk do ta ketë të vështirë të sigurojë një audiencë më të gjerë. I vendosur në peizazhet hënore të një territori të minierës së opalit në Queensland dhe i xhiruar në format bardhezi nga vetë regjisori, është një triller i zbardhur ekzistencial për një polic të varur nga heroina (një Simon Baker i heshtur) që rishikon rastin e ftohtë të një gruaje joorigjinale të zhdukur. Ai funksionon tërësisht në kushtet e veta dhe me ritmin e tij të qetë, duke e zbrazur zhanrin e detektivit në një efekt drithërues.
Por asnjë titull konkursi nuk ishte aq radikalisht “sui generis” sa muzika, nga eksperimentuesja e madhe gjermane Angela Schanelec. Ajo ishte në Berlinale në vitin 2019, me të mahnitshmen e padepërtueshme “I Was at Home”, por e cila bëri gjëra shumë të çuditshme me pjesë të “Hamletit”. Filmi i saj i ri është një variant modern pothuajse pa fjalë mbi mitin e Edipit, i vendosur fillimisht në Greqi përpara se të hidhet papritur në mënyrë të pashpjegueshme në Berlin. Një i ri, i lindur në malet greke gjatë një stuhie, rritet me dhimbje kronike të kyçeve dhe më pas burgoset për vrasje nga pakujdesia. Ai formon një çift me një nga rojat femra të burgut (francezen Agathe Bonitzer), për t’u bërë më vonë këngëtare në Berlin - kohë në të cilën, çdo korrespondencë e dukshme me mitin origjinal është bërë e errët nga një rrjet i dendur simbolesh, jehonash dhe enigmash. Muzika i ngjan më pak kinemasë narrative – madje edhe e varietetit më artistik, më ‘Godardian’ – se sa është arti konceptual, ose një formë kinematografike e poezisë “opake” moderniste. Mund të jetë pothuajse hermetike, por krejtësisht fiksuese.