Mit künstlicher Intelligenz geschaffene Kunstwerke werfen große Fragen zur menschlichen Kreativität auf. Die Geschichte der Fotografie zeigt, warum die Begriffe dieser Debatte falsch sind
Im Jahr 1835 gelang es William Henry Fox Talbot schließlich, ein grobes Foto seines Hauses anzufertigen. Er erklärte triumphierend, dass dies das erste Haus sei, das er bekanntermaßen bemalt habe. Fox Talbot beschrieb die Kalotypie, seinen Beitrag zum fotomechanischen Prozess, als eine Möglichkeit, menschliches Eingreifen zu eliminieren. In Talbots Beschreibung entstand die fotogene Zeichnung „durch die einfache Einwirkung von Licht auf empfindliches Papier“. Die Fotografie bot der Natur einen „Bleistift“, mit dem sie nur durch optische und chemische Mittel erscheinen konnte.
Das selbstzeichnende Haus von Fox Talbot ist eine nützliche Erinnerung daran, dass die Entwicklung der Fotografie eine Geschichte der Automatisierung ist. Mitte des XNUMX. Jahrhunderts musste die Bearbeitung eines detaillierten Bildes nicht mehr einem Designer anvertraut werden, da der Vorgang sofort mit einer Kamera durchgeführt werden konnte. Befürworter der Technologie wiesen darauf hin, dass die Fotografie nicht nur genauer sei als die menschliche Hand, sondern auch schneller und kostengünstiger.
Beseitigung menschlicher Fehler
Die Beseitigung menschlicher Fehler war einer der Hauptpunkte, die den Verkauf von Fotografie beeinflussten, aber sie löste leidenschaftliche Debatten über die Auswirkungen des neuen Mediums auf die visuelle Kultur aus. Können von einem Auto aufgenommene Bilder als Kunst betrachtet werden? Wenn ja, wo kommt die menschliche Hand in diesen Prozess?
Die Antwort, die nach einem Jahrhundert großer Meinungsverschiedenheiten kam, etablierte die Fotografie sowohl als eine Form der objektiven mechanischen Dokumentation als auch als kreativen menschlichen Ausdruck. Es verkörperte zwei widersprüchliche Ansätze. Man stellte fest, dass die Urheberschaft eines Bildes hauptsächlich am Rand existierte – in der Gestaltung eines Bildes und seiner Entwicklung –, aber die Kamera füllte den Rest aus. Der andere behauptete, dass das Foto bei jedem Schritt von einem menschlichen Bediener beeinflusst wurde, was einen kreativen Prozess darstellte, der dem Zeichnen mit Licht ähnelt. Das zweite Argument trug dazu bei, dass das Foto urheberrechtlich geschützt wurde. Es war das erste, das das Medium für das industrialisierte Europa akzeptabel machte und die kommerzielle Verbreitung förderte.
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Kreativität und Kommerzialisierung im Zeitalter der künstlichen Intelligenz
Da das XNUMX. Jahrhundert zunehmend automatisiert wird, wird es immer schwieriger festzustellen, wo in einem technologisch vermittelten Prozess menschliche Eingriffe stattfinden. Bilder, die mit künstlicher Intelligenz von Unternehmen wie OpenAI und Stablilty.ai erstellt wurden, werfen ähnliche Fragen auf wie mit dem Aufkommen der Fotografie. Durch die Eingabe eines Satzes in das Äquivalent einer Google-Suche können Benutzer „neue“ Bilder erstellen, die aus im Internet gesammelten Bildern zusammengestellt werden, von denen einige auf mysteriöse Weise und andere verdächtig sind. Dies hat zu einer Flut von KI-erstellten Bildern an Orten geführt, die zuvor nur menschlichen Autoren vorbehalten waren. Seitdem geraten Malwettbewerbe, kommerzielles Grafikdesign und das Porträtgenre auf beunruhigende Weise in Konflikt mit der Technologie.
Die überraschende Qualität KI-generierter Bilder wirft tiefgreifende Fragen zur menschlichen Kreativität auf. Wie kann man einen Prozess automatisieren, der selbst Ausdruck des menschlichen Ausdrucks ist? Anfang dieses Jahres wurde eine Klage gegen Stability AI eingereicht, in der es darum ging, ob Originalität die ausschließliche Domäne des menschlichen Schöpfers sei. Eine Urheberrechtsregulierung, die sich mit diesem Problem befasst, dürfte enorme Auswirkungen auf die Kreativwirtschaft haben. Wenn die Geschichte der Fotografie etwas zeigt, dann ist es, dass die Debatte nicht schnell, sofort oder von den Institutionen, die wir normalerweise mit dem kulturellen Tor assoziieren, gelöst werden kann. Dieser Prozess wird uns jedoch viel über die kulturellen Umstände verraten, die uns helfen, neue Technologien zu verstehen.
Fotografie als Kunst und Dokument
Der Glaube an die Fähigkeit der Kamera, Fotos zu produzieren, entstand im XNUMX. Jahrhundert und betonte den technologischen Einfluss auf die menschliche Subjektivität. Fox Talbot feierte die Fähigkeit seines Hauses, sich selbst zu zeichnen, weil es die menschliche Interpretation auslöschte. Seine französischen Zeitgenossen Louis Daguerre und Joseph Nicéphore Niépce – mit ebenso starkem Anspruch auf die Erfindung des Mediums – bestanden darauf, den Zeichner zu eliminieren, da dies einen gefährlichen Schritt zur „Reparatur“ der visuellen Ausdrucksformen der Natur darstelle.
Eine vorhandene Literatur zur Wissenschaftsgeschichte zeichnet nach, wie die Entwicklung der Fotografie dazu beitrug, „Objektivität“ als neutrale konzeptuelle Kategorie zu verhandeln. In der Wissenschaft des XNUMX. Jahrhunderts ersetzten Fotografien biologischer und anatomischer Proben die Illustrationen als zuverlässigste, wenn auch weniger klare Form der Visualisierung. Im Vergleich zu handgezeichneten Illustrationen mögen die Fotografien verschwommener und optisch unklarer sein, doch ihr mechanischer Charakter trug dazu bei, dass sie als etwas Glaubwürdigeres verbreitet wurden.
Die Einordnung der Fotografie als etwas, das eindeutig außerhalb des Bereichs menschlicher Fehlbarkeit liegt, war eines der größten Verkaufsargumente der Technologie. Die Aufrechterhaltung dieser Idee warf jedoch schwierige Fragen auf. Wenn ein Foto wirklich eine automatisierte Form des Zeichnens wäre, könnten Fotografen dann als Künstler betrachtet werden? Die Herstellung eines Fotos wäre ohne menschliche Bediener sicherlich nicht möglich, aber können sie als größere Schöpfer angesehen werden als jemand, der eine Maschine in einer Fabrik bedient?
„Automatisierung“ der Urheberschaft
Wie bei Kunstwerken, die durch KI geschaffen wurden, führte die „Automatisierung“ zu neuen Denkweisen über die Urheberschaft. Ein früher Anwärter auf die wahre Urheberschaft der Fotografie war das Licht, das unabhängig von der Sonne agierte. Eine frühe Form der von Niépce im Jahr 1826 erfundenen Technologie erforderte einen ganzen Tag Sonneneinstrahlung und so wurde die „Heliographie“ oder „Sonnenschrift“ erfunden. Die englische Kunstkritikerin Elizabeth Eastlake beschrieb das in den 1830er Jahren aufkommende Genre als Medium der Fotografie und bezeichnete es als eine Art „Sonnenstift“, bei dem Licht zum Zeichnen des Kameraobjektivs verwendet wird. Dies wurde während des Salons von 1859 verurteilt, aber nicht angefochten, als der zutiefst verärgerte französische Kritiker Charles Baudelaire die Fotografie als eine Form fanatischer Sonnenanbetung anprangerte.
Baudelaires Vorwurf im Jahr 1859 zeigt, dass die vermeintliche Objektivität einer Fotografie noch nicht als universeller Wert anerkannt wurde. Er verspottete die französischen Aristokraten, die glaubten, wahre Kunst sei eine exakte Reproduktion der Natur, und beschrieb Daguerre als den Messias eines „rächenden Gottes“. „Und jetzt sagen sich die Gläubigen: ‚Da die Fotografie uns alle Garantien für Genauigkeit gibt, die wir uns nur wünschen können (das glauben sie wirklich, ihr verrückten Idioten!), dann sind Fotografie und Kunst dasselbe.‘ Baudelaire stellte die Kategorisierung der Fotografie als Kunstform in Frage, aber auch die Behauptung, sie funktioniere als perfekte Transkription der Realität.
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Dilemmata für den wahren Autor
Im XNUMX. Jahrhundert entstanden zahlreiche Arten fotografischer Technologien, jede mit ihren eigenen technischen Merkmalen. Daguerreotypien sahen anders aus als Kalotypien und waren im Vergleich zu heutigen Fotografien alle unschärfer. Welche davon repräsentiert am besten die Realität? Einzelne Kameras konnten bestimmte Arten visueller Informationen wiederholt wiedergeben, für die Fotografie als Genre galt dies jedoch noch nicht.
Trotz der Proteste aristokratischer Kunstkritiker etablierte sich die kommerzielle Fotografie im Frankreich des XNUMX. Jahrhunderts als Markt. Angesichts der ständig steigenden Rentabilität der Fotografie verblassten die Argumente über den Mangel an kreativem Wert allmählich. Aufgrund seiner technischen Neuheit war jedoch unklar, ob das Foto genügend menschliche Kreativität beinhaltete, um als etwas zu gelten, das unter den Schutz des französischen Urheberrechtsgesetzes fiel. Die Eliminierung menschlichen Einflusses aus dem fotografischen Prozess war gut, um Argumente über die Objektivität zu untermauern, erschwerte jedoch die kommerzielle Realisierbarkeit. Das Eigentum müsste geklärt werden, wenn Fotografien als neue Eigentumsform kursieren würden. War der wahre Autor eines Fotos die Kamera oder der menschliche Bediener?
Mitte des 1862. Jahrhunderts wurden die Antworten auf diese Frage häufiger. Die erste gesetzliche Definition der Fotografie als kreative Kunstform erfolgte im April XNUMX, als die französischen Fotografen Mayer und Pierson erfolgreich den Verkauf retuschierter und veränderter Porträts berühmter Persönlichkeiten verhinderten, die in ihrem Studio aufgenommen worden waren. Da sie diejenigen waren, die die Originalfotos gemacht hatten, argumentierten Mayer et Pierson, dass nur sie damit Geld verdienen könnten. Die Entscheidung des Gerichts war ein hart erkämpfter Erfolg. Anfang des Jahres hatte sie ihre Klage mit der Begründung abgewiesen, dass Fotografie funktional automatisiert sei – das Medium sei kaum mehr als ein chemischer Prozess zur Erfassung des Außenbildes von Objekten mithilfe einer Maschine.
Was hat diese Meinung geändert? Als Mayer und Pierson gegen die Entscheidung vom April 1862 Berufung einlegten, führten sie ein Argument an, das den menschlichen Faktor wieder in den fotografischen Prozess einführte. Durch die Umformulierung der Fotografien in „les dessins photographiques“ – oder fotografische Zeichnungen – konnten die Kläger erfolgreich nachweisen, dass die Entwicklung von Fotografien in einer Dunkelkammer Teil des kreativen Prozesses eines Kameramanns war. Zusätzlich zum Platzieren eines Fotos musste der Fotograf das Bild aus dem Kamerafilm extrahieren, in einem Prozess, der der kreativen Leistung des Zeichnens ähnelte. Die Kamera war ein Bleistift, der mit licht- und fotoempfindlichen Oberflächen zeichnen konnte, aber von einem Menschen gehalten und bedient wurde. Der Urheberrechtsschutz trug im Frankreich des XNUMX. Jahrhunderts zur Kommerzialisierung der Fotografie bei, doch anstatt klarzustellen, was der fotografische Prozess bewirkte, wurde er durch diese Entwicklung sowohl als Kunst als auch als Dokumentation kodifiziert.
Hätte das Gericht entschieden, dass Fotografien nicht geschützt seien, weil die Kamera die meiste Arbeit erledigte, wäre eine ganz neue Welle von Problemen im Zusammenhang mit dem kreativen Prozess entstanden. Was ist mit dem Maler, der ein Team von Lehrlingen beschäftigt? Ein Graveur, der handgefertigte Radierungen nach berühmten Gemälden verkauft? Kann ein Porträtmodell nach Abschluss der Arbeit Anspruch auf den künstlerischen Prozess erheben? Kann der Gärtner einer sorgfältig gepflegten Landschaft die Urheberschaft gegenüber einer Aquarelldarstellung beanspruchen? Die Entscheidung, Fotografie als Kunstwerk und Dokument zu betrachten, war vielleicht nicht philosophisch ehrlich, vermied aber eine Reihe noch schwierigerer Fragen.
Im 1899. Jahrhundert führten die meisten westlichen Kunstmärkte irgendeine Form des Urheberrechtsschutzes für die Fotografie ein, was bedeutete, dass das Medium einen erheblichen menschlichen kreativen Input erforderte. In der landläufigen Vorstellung galten Fotografen jedoch immer noch als Techniker. Im Jahr XNUMX beklagte Alfred Stieglitz die Ansicht, dass „nach der Auswahl der Motive, der Pose, der Beleuchtung, der Belichtung und der Entwicklung jeder weitere Schritt ... wenig oder gar keine Aufmerksamkeit erfordert“. Der menschliche Eingriff in den fotografischen Prozess schien noch eine untergeordnete Rolle zu spielen – im Aufbau und dann in der Entwicklung – und nahm während des gesamten Prozesses eine konstante Rolle ein. Die Fotografie erhielt im XNUMX. Jahrhundert ihre gesetzliche Bezeichnung als Kunstform und verbrachte einen Großteil des XNUMX. Jahrhunderts damit, skeptische Museumskuratoren zu überzeugen.
Fortsetzung folgt in der nächsten Ausgabe des Culture Supplement.
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Von neomag.com abgerufen. Übersetzt von: Mirjete Sadiku
