Kriegsfilme, wie alle historischen Filme, handeln im Grunde von der Gegenwart. Der Aufstieg der extremen Rechten in Europa beunruhigt europäische Filmemacher, und sie suchen Antworten in der Vergangenheit, um Geschichten darüber zu erzählen, wie eine Nation dem Faschismus verfällt und wie sich Menschen unter einem autoritären Regime verhalten: manche mit Mut und Heldenmut, andere mit Niedertracht und Egoismus. Diese Filme konzentrieren sich auf die psychischen Schäden, die der Krieg anrichtet, auf das historische Trauma, das jene erleiden, die am Töten beteiligt sind, und jene, die wegschauen.
Die Filmfestspiele von Cannes schienen dieses Jahr ganz im Zeichen des Krieges zu stehen. Eine bemerkenswerte Anzahl der gezeigten Filme thematisierte das Leben während des Krieges.
In Lukas Dhonts belgischem Weltkriegsdrama „Feigling“ werden junge Soldaten in den Schützengräben mit Vorstellungen von Heldentum und Männlichkeit konfrontiert.
„Visitation“, der neueste Film von Volker Schlöndorff („Die Blechtrommel“), setzt die Auseinandersetzung des deutschen Regisseurs mit dem Zweiten Weltkrieg und seinen Folgen fort und verfolgt das Schicksal dreier Familien, die an einem See in der Nähe von Berlin leben, durch Jahrzehnte turbulenter Geschichte, vom Aufstieg Adolf Hitlers bis zum Fall der Berliner Mauer.
Zwei französische Filme – „Moulin“ und „De Gaulle: Tilting Iron“ – befassen sich mit dem französischen Widerstand gegen die Nazi-Besatzung, während ein weiterer Film, „A Man of His Time“, einen seltenen Blick auf die französische Kollaboration während des Krieges wirft.
Diese Filme handeln, wie alle historischen Filme, eigentlich von der Gegenwart. Der Aufstieg der extremen Rechten in ganz Europa beunruhigt europäische Filmemacher, und sie suchen Antworten in der Vergangenheit, um Geschichten darüber zu erzählen, wie eine Nation dem Faschismus zum Opfer fällt und wie sich Menschen unter einem autoritären Regime verhalten: manche mit Mut und Heldenmut, andere auf gemeine und egoistische Weise.
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Hollywood wird in Cannes nicht vertreten sein.
Diese Filme thematisieren den Schaden, den der Krieg der Psyche zufügt, das historische Trauma, das denen zugefügt wird, die am Töten teilnehmen, und denen, die wegschauen.
Von allen Kriegsfilmen ist „Ein Mann seiner Zeit“ unter der Regie von Emmanuel Marre der originellste und schockierendste.
Auf den ersten Blick wirkt es wie ein Historienfilm, doch er ist als düsterer Film inszeniert, in dem junge Leute in ihren Zwanzigern in altmodischen Anzügen zu sehen sind, die wie die Generation „Gen Z“ reden und sich benehmen, während sie sich der Nazi-Autorität beugen, um im Leben voranzukommen.
Swann Arlaud, der in dem oscarnominierten Film „Anatomie einer Leidenschaft“ Sandra Hüllers Anwalt spielte, verkörpert einen unbekannten Autor und skrupellosen Strippenzieher, der in der Nazi-Bürokratie Karriere machen will. Marre orientierte sich bei der Figur an seinem Urgroßvater, der für das faschistische Vichy-Regime arbeitete.
Der moderne Ansatz des Regisseurs bei dieser historischen Erzählung mag befremdlich wirken – er legt Hits aus den 80er Jahren wie „Life is Life“ von Opus oder „Sounds like a Melody“ von Alphaville über Filmmaterial aus den 40er Jahren –, aber seine Botschaft über die Banalität und Bösartigkeit des Bösen könnte nicht aktueller sein.
Pawel Pawlikowskis „Vaterland“ ist ein Nachkriegsfilm.
Das deutschsprachige Drama des polnischen Regisseurs von „Ida“ und „Cold War“ erzählt die Geschichte von Thomas Mann, dem mit dem Nobelpreis ausgezeichneten deutschen Schriftsteller, und seiner Tochter, der Schriftstellerin und antifaschistischen Aktivistin Erika Mann, auf ihrer Reise durch das geteilte Deutschland während des Kalten Krieges.
Thomas Mann ist bestrebt, sein literarisches Erbe im „neuen Deutschland“ (Ost wie West) zu sichern, und argumentiert, dass die Schönheit deutscher Kunst und Literatur die Schrecken des Holocaust überdauern kann. Erika hingegen glaubt, dass die schönen Sätze ihres Vaters lediglich ein Schleier sind, der die hässliche Realität einer Zivilisation verbirgt, die monströs geworden ist.
„Minotaurus“ des im Exil lebenden russischen Regisseurs Andrej Swjaginzew ist einer der wenigen Filme in Cannes in diesem Jahr, der sich direkt mit einem modernen Konflikt auseinandersetzt.
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Der Politthriller handelt vordergründig von einem korrupten Geschäftsmann, der die Untreue seiner Frau entdeckt und ihren Liebhaber aufspürt, um sie zur Rede zu stellen. (Es handelt sich um eine freie Adaption von Claude Chabrols Film „Die untreue Frau“ aus dem Jahr 1969.)
Die Geschichte spielt vor dem Hintergrund der russischen Besetzung der Ukraine. Der Geschäftsmann hat den Auftrag, der Armee Männer aus seinem Angestelltenpool für die Mobilmachung zuzuführen, wohl wissend, dass sie als Kanonenfutter dienen werden. Er hat bereits Blut an den Händen, lange bevor er den Liebhaber der Frau findet und ihn – in einer erschreckenden, aber meisterhaft inszenierten Szene im Stile Hitchcocks – tötet.
Da es sich um Putins Russland handelt, genügt ein kurzes Gespräch mit dem Bürgermeister, um die Mordermittlungen schnell abzuschließen. Der Manager kehrt in sein komfortables Leben zurück, während seine Frau – wie andere russische Bürger, so scheint Swjaginzew anzudeuten – in den Fängen ihres patriarchalischen Herrn gefangen bleibt.
„Minotaurus“ ist Swjaginzews erster Film außerhalb Russlands und sein erster nach seiner Genesung von einer lebensbedrohlichen COVID-19-Erkrankung, die ihn mit 90-prozentiger Lungenschädigung monatelang in einem Krankenhaus in Hannover festhielt und ihn daran hinderte, sich zu bewegen oder seine Gliedmaßen zu spüren. Es ist zugleich sein politischster Film.
Wer die subtileren Kritikpunkte an der institutionellen Korruption in den letzten beiden Filmen des Regisseurs – „Leviathan“ (2014) und „Loveless“ (2017) – nicht bemerkt hat, muss absichtlich blind sein, um seinen direkten Angriff auf Putins Regime hier sowie die Komplizenschaft derjenigen im Land, die wegschauen, während in ihrem Namen Morde begangen werden, nicht zu erkennen.
Es war einer der eindrucksvollsten und wichtigsten Filme in Cannes in diesem Jahr.
Doch in diesem Jahr hat der rumänische Regisseur Cristian Mungiu zum zweiten Mal in seiner Karriere die Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes gewonnen. Diesmal mit „Fjord“, nach seinem Triumph bei dem renommierten Festival im Jahr 2007 mit dem Film „4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage“. Der beste Film der diesjährigen Ausgabe thematisiert den Konflikt zwischen traditionellen religiösen und progressiven Werten sowie die Grenzen zwischen persönlicher Freiheit und dem gesellschaftlichen Konformitätsdruck.
Der Film wurde von Kritikern als raffinierte Justiz- und Familiensaga gelobt, die sehr komplex ist und über einfache Antworten hinausgeht. Die krönende Bestätigung dieser Einschätzungen war die Preisverleihung der Filmfestspiele von Cannes am Samstagabend, bei der die Auszeichnungen den 12-tägigen Marathon eines der wichtigsten Filmfestivals der Welt abschlossen.
Nach der Entgegennahme des Preises ging der rumänische Regisseur auf die politische Lage in der Welt ein.
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„Der Zustand der Welt ist heute nicht der beste. Ich bin nicht stolz darauf, was wir unseren Kindern hinterlassen“, sagte Regisseur Cristian Mungiu in seiner Rede nach der Preisverleihung.
