Xhafa: Es gibt Tote, die lebendiger wirken als viele der heute Lebenden.

„Heute wird mehr produziert als je zuvor, aber weniger riskiert. Viele Werke wirken durchdacht, konzipiert für den einfachen Umlauf, nicht um zu schockieren. Mich interessiert nicht die Zeit, sondern die Notwendigkeit, jener Punkt, an dem ein Werk keine andere Wahl hat, als zu existieren. Viele Künstler scheinen sich heute im System wohlzufühlen. Ich fühle mich zu denen hingezogen, die sich darin nicht wohlfühlen“, sagt der Akademiker Xhevdet Xhafa auf die Frage nach der heutigen Kunst. „Es gibt Tote, die lebendiger wirken als viele der heute Lebenden.“

Hans-Ulrich Obrist

Sie begannen Ihre Lehrtätigkeit im Jahr 1974. Wie gehen Sie beim Unterrichten von Kunst und bei der Betreuung junger Schüler vor?

Xhafa: Als ich 1974 mit dem Unterrichten begann, war es mir sehr wichtig, dass die Schüler mehr als nur Techniken lernten. Natürlich sind Zeichnen, Komposition und Materialkenntnisse grundlegend, aber Kunst lässt sich nicht allein auf technische Beherrschung reduzieren.

Ich war immer der Ansicht, dass die Rolle eines Lehrers eher darin besteht, eine bestimmte Denkweise zu eröffnen, als einen Stil aufzuzwingen. Jeder Student muss seine eigene Stimme finden. Wenn ein Professor Kopien seiner selbst in seinen Studenten erzeugt, stimmt etwas nicht. Ich habe versucht, Studenten zu ermutigen, die Realität um sie herum zu beobachten: das Leben, die Menschen, den Raum, in dem sie leben. Kunst entsteht nicht in Isolation. Sie entsteht aus Erfahrung, aus den Fragen, die wir an die Welt und an uns selbst stellen.

Ich habe auch versucht, im Atelier eine Atmosphäre des Dialogs zu schaffen. Kunst lernt man nicht allein durch Zuhören, sondern durch Diskussionen, Experimentieren, Fehler machen und das ständige Streben nach Neuem. Für einen jungen Studenten ist die Entwicklung von Sensibilität und Neugierde am wichtigsten. Die Technik kann sich mit der Zeit verbessern, aber die Art und Weise, wie man die Welt sieht, macht einen Künstler einzigartig.

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Welchen Rat würden Sie einem jungen Künstler heute geben? Welchen Rat würden Sie Ihrem jüngeren Ich geben?

Xhafa: Es gibt nur einen Rat, denn Kunst wird nicht als Handwerk mit klaren Regeln gelehrt. Sie entspringt einem Bedürfnis, das einen nicht loslässt. Wenn ich etwas sagen müsste: Überstürze nichts, um Künstler zu werden. Lerne zu sehen, zu fühlen, zu zweifeln. Versteife dich nicht auf einen bestimmten Stil; der Stil kommt von selbst, wenn das, was dich antreibt, echt ist. Arbeite ohne Angst. Zensiere dich nicht, bevor du anfängst. Fehler gehören zum Prozess, sie sind nichts, was man vermeiden sollte. Hab keine Angst vor dem Ungewissen. Es ist der Raum, in dem Neues entsteht. Wenn du es meidest, wiederholst du nur, was schon da ist. Vergleiche dich nicht mit anderen. Jeder hat sein eigenes Tempo. Kunst ist kein Wettbewerb, auch wenn es oft so scheint. Und vor allem: Sei ehrlich zu dir selbst. Ohne Ehrlichkeit kannst du viel erschaffen, aber nichts bleibt. Meinem jüngeren Ich würde ich sagen: Versuche nicht, sofort verstanden zu werden. Das ist nicht nötig. Manche Dinge müssen etwas vage bleiben, um wertvoll zu sein. Sei geduldiger mit dem Prozess. Nicht jedes Werk wird gelingen, und das ist in Ordnung. Und vielleicht das Wichtigste: Vertraue deinem Gefühl, auch wenn du es nicht erklären kannst. Denn oft beginnt genau da die eigentliche Arbeit. Vor allem: Warte nicht auf den richtigen Moment, handle furchtlos.

Mich interessiert immer, ab welchem ​​Punkt man das Ende studentischer Kreativität und den Beginn professioneller Kreativität betrachten kann. Welches Ihrer Werke betrachten Sie als Nummer 1 in Ihrem Gesamtwerkverzeichnis?

Xhafa: Ich glaube nicht, dass es einen Moment gibt, in dem etwas endet und etwas anderes beginnt. Die Trennung zwischen Studium und Berufstätigkeit ist eher eine institutionelle Notwendigkeit als ein Bestandteil der Arbeit selbst. Im Grunde ist die Arbeit immer noch nicht abgeschlossen. Tatsächlich kann die sogenannte „studentische“ Arbeit kühner, freier und vielleicht sogar authentischer sein als das, was danach kommt.

Vielleicht geschieht die Veränderung, wenn man das Alibi des Studentendaseins verliert. Wenn man sich nirgendwo mehr hinter Prüfungen, hinter Übungen verstecken kann. Wenn alles, was man tut, einen direkt und ungeschützt repräsentiert. Dann beginnt eine andere Art von Einsamkeit. Was die erste Arbeit betrifft, erscheint mir die Idee eines Anfangs fragwürdig. Denn jeder Anfang ist immer die Fortsetzung von etwas anderem, oft Unsichtbarem.

Wenn ich es als „die Zahl Null“ betrachte, ist es vielleicht kein Objekt, sondern ein Augenblick, in dem man erkennt, dass das, wonach man sucht, kein Ende hat. Ein kurzer Moment der Veränderung, in dem sich die Beziehung zur Welt wandelt, ohne dass dies deutlich zum Ausdruck kommt. Etwas geschieht dort, das sich nicht katalogisieren lässt. Und vielleicht bleibt es deshalb wie ein Anfang.

Wenn Sie auf Ihr gesamtes künstlerisches Schaffen zurückblicken, auf die 50er, 60er, 70er Jahre und so weiter, was würden Sie als die großen Entdeckungen bezeichnen, jene Schlüsselwerke, die Ihrer Meinung nach einen wichtigen Wendepunkt in Ihrer künstlerischen Praxis markierten?

Xhafa: Meistens entdecke ich den entscheidenden Punkt erst später. Während meiner Arbeit gab es keine unmittelbaren Erkenntnisse; es gab nur Zweifel, Fehler und Kontinuität. Diese Erkenntnisse kommen immer spät. Wenn die Arbeit abgeschlossen ist und man anfängt zu vergessen, warum man sie überhaupt geschaffen hat.

Auf welche Leistungen sind Sie am meisten stolz? Wofür möchten Sie in Erinnerung bleiben?

Xhafa: Ich habe Erfolge nicht als Ziel verfolgt. Ich wollte einfach weitermachen, ohne anzuhalten, selbst wenn es keine unmittelbare Gewissheit oder Sinnhaftigkeit gab, weiterzuarbeiten, ohne mich anzupassen, nur um akzeptiert zu werden. Wenn ich über etwas sprechen kann, dann ist es genau diese Beharrlichkeit, am Ball zu bleiben, selbst wenn sich alles andere verändert. Ob man in Erinnerung bleibt, kann man nicht beeinflussen.

Wenn schon etwas bleiben muss, dann die Spur einer Suche, die nie endete und vielleicht auch nie enden sollte. Vielleicht bleibt am Ende nur dies: die Neugier eines dreijährigen Kindes zu bewahren.

Ich habe verstanden, dass Sie sich in den 90er Jahren aufgrund der Schließung der albanischen Universität gezwungen sahen, alternative Wege zu beschreiten. Infolgedessen begannen Sie, Vorträge in Privathäusern zu halten und Ausstellungen in Cafés zu organisieren. Es ist wunderbar, dass Sie sich von nichts davon abhalten ließen, weiterhin Kunst zu schaffen und zu unterrichten. Können Sie mir mehr darüber erzählen, warum Sie trotz der Turbulenzen dieser Zeit das Bedürfnis verspürten, weiterzumachen, und welche neuen Formen Sie improvisieren und entwickeln mussten?

Xhafa: Es war keine Frage der Wahl, sondern die Folge eines gewaltsamen Übergangs, einer sozialen und politischen Apartheid. Wenn Raum eingenommen wird, hört die Arbeit nicht auf, sie verlagert sich nur. Neue Räume entstehen, Gedanken bewegen sich und Widerstand formt sich. Die Universität wurde geschlossen, doch das Bedürfnis zu existieren, neu zu denken und zu gestalten wurde zur Notwendigkeit. Was Sie „neue Formen“ nennen, waren keine Erfindungen im romantischen Sinne. Es waren Minimallösungen, um weiterzumachen. Privatwohnungen, Cafés und improvisierte Räume wurden zu Arbeitsplätzen, weil es keine anderen gab. Doch was in dieser Zeit mehr Gewicht hatte, war die Solidarität der Menschen im Kampf ums Überleben und im Widerstand. Ohne dieses gemeinsame Gefühl wären weder Lehre noch Kunst noch Kontinuität möglich gewesen. In gewisser Weise entkleideten diese Umstände die Kunst jeder Illusion. Es gab keine Unterstützung mehr, keine Struktur, kein garantiertes Publikum. Nur die direkte Beziehung zwischen der Arbeit und dem Bedürfnis, sie zu schaffen, blieb. Auch die Lehre veränderte sich. Sie war nicht mehr bloße Wissensvermittlung, sondern eine Form der Haltung und des Daseins. Eine Art, die Kontinuität nicht zu unterbrechen. Vielleicht wurde gerade in dieser Zeit deutlicher, dass Kunst kein Luxus ist. Es ist eine Möglichkeit, nicht zu verschwinden.

Sie haben verschiedene Epochen miterlebt. Wie beurteilen Sie die Gegenwart im Vergleich zur Vergangenheit? Sind Sie optimistisch, was die Zukunft betrifft?

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Xhafa: Jede Epoche hält sich für etwas Besonderes, doch im Kern bleiben die Spannungen dieselben, nur die Formen ändern sich. Heute scheint alles schneller, sichtbarer, aber vielleicht auch oberflächlicher. Es wird mehr geredet, aber nicht unbedingt mehr zugehört. Verglichen mit der Vergangenheit empfinde ich es weder als leichter noch schwieriger, sondern einfach als anders. Jede Epoche hat ihre Grenzen und Möglichkeiten. Was die Zukunft betrifft, denke ich nicht optimistisch oder pessimistisch darüber nach. Es ist vielmehr eine Frage der Einstellung: weiterzuarbeiten, ungeachtet der Zeit.

Was halten Sie von zeitgenössischer Kunstproduktion? Welche Künstler interessieren Sie am meisten – ob zeitgenössische oder historische?

Xhafa: Ich verfolge die Entwicklung, aber stets mit einem gewissen Misstrauen. Heute wird mehr produziert als je zuvor, aber weniger gewagt. Viele Werke wirken durchdacht, konzipiert für den schnellen Absatz, nicht um zu schockieren. Mich interessiert nicht die Zeit, sondern die Notwendigkeit, jener Punkt, an dem ein Werk keine andere Wahl hat, als zu existieren. Viele Künstler scheinen sich heute im System wohlzufühlen. Ich fühle mich zu denen hingezogen, die sich darin nicht wohlfühlen. Was die Namen betrifft: Besonders berührt mich Gustave Courbet, Théodore Géricault, Giorgio Morandi und Jacob Lawrence; unter den Zeitgenossen Kerry James Marshall, Isa Genzken, Cy Twombly, Doris Salcedo und David Hammons. Es gibt Tote, die lebendiger wirken als viele der heutigen.

Können Sie uns etwas über Ihre aktuelle Arbeit erzählen? Woran arbeiten Sie gerade? Was inspiriert Sie heute? Was ist Ihnen noch immer ein Rätsel?

Xhafa: Ich betrachte meine Werke nicht als „das Neueste“. Jedes Werk ist eine Fortsetzung des vorherigen, selbst wenn es wie ein Bruch erscheint. Ich bemühe mich, die Spannung zwischen dem, was ich weiß, und dem, was ich noch nicht verstehe, aufrechtzuerhalten. Mich interessieren nicht die Antworten, sondern die Offenheit der Frage. Inspiration ist kein Augenblick. Sie ist eine Art anhaltende Unzufriedenheit. Das Geheimnis und der Wert liegen dort, wo ich sie nicht in Worte fassen kann. Was mich an der Arbeit fesselt, ist nicht das, was ich verstanden habe, sondern das, was ich weiterhin nicht verstehe.

Können Sie mir Ihr Atelier beschreiben? Was passiert dort? Arbeiten Sie jeden Tag? Haben Sie irgendwelche Rituale?

Xhafa: Das Atelier ist kein fester Ort; es ist wie ein offener Balkon, ohne Dach, direkt unter freiem Himmel. Es ist kein Raum im klassischen Sinne, sondern eher ein Zustand der Arbeit. Mal ein Tisch, mal eine Straße, manchmal nichts Konkretes. Was dort geschieht, ist nicht immer als „Arbeit“ sichtbar. Vieles geschieht, ohne dass man es sieht, denkt, wartet oder zweifelt. Ich arbeite fast jeden Tag, aber nicht linear. Es ist unvorhersehbar. Heute bin ich durch meinen körperlichen Zustand etwas eingeschränkt, aber das treibt mich nur noch mehr an; meine Haltung beginnt sich zu formen. Ich habe keine festen Rituale. Vielleicht ist das einzige, immer wieder zurückzukehren, auch ohne ersichtlichen Grund. Alles beginnt und endet dort. Und dann beginnt es von neuem.

Mich interessiert Ihr künstlerischer Prozess: Ist alles geplant oder spielt auch der Zufall eine Rolle?

Xhafa: Spannung.

Dan Graham sagte immer, wir müssten wissen, welche Musik ein Künstler hört: Was bedeutet Harmonie und was bedeutet Energie für dich? Welche Musik hörst du? Hast du eine Lieblingsfarbe?

Xhafa: Für mich ist Musik keine Hintergrundmusik, sondern ein innerer Rhythmus. Ich habe kein festes Genre. Sie kann ganz ruhig und minimalistisch sein oder das genaue Gegenteil: rau und ungeschliffen. Es kommt auf die Stimmung der Arbeit an. Ich nutze sie nicht, um mich zu beruhigen, sondern um Spannung aufzubauen. Harmonie als Gleichgewicht interessiert mich nicht. Mich interessiert der Punkt, an dem die Dinge nicht ganz zusammenpassen, aber dennoch harmonieren. Da ist Energie. Energie ist nicht Lautstärke, sondern Intensität. Sie kann sehr leise, aber kraftvoll sein. Was Musik angeht, höre ich alles, was nicht „angenehm“ ist. Ich habe keinen Favoriten. Mich interessieren eher Dinge, die sich nicht so leicht stabilisieren lassen, die sich mit Licht und Zeit verändern. Vielleicht eine Farbe, die sich nie ganz festlegt.

Sammeln Sie auch Kunstwerke, entweder Ihre eigenen oder die anderer? Wird es in Zukunft eine Stiftung für Ihre Arbeit geben?

Xhafa: Ich sehe mich nicht als Sammler. Meine Werke betrachte ich nicht als Eigentum; sie gehen fort, sie zirkulieren, sie bleiben mit der Zeit bestehen. Was die Werke anderer betrifft, so bleibt nicht der Besitz, sondern das, was zwischen mir, dem Werk und der Zeit geschieht. Die Idee einer Stiftung im klassischen Sinne interessiert mich nicht. Mich interessiert eine andere Dimension: vielleicht eine 1 x 1 m große Stiftung.

Mich interessiert immer, ob Künstler unvollendete Projekte haben. Das können Projekte sein, die zu groß oder zu klein waren, um realisiert zu werden; Projekte, die zensiert wurden, sei es durch äußere Einflüsse oder durch Selbstzensur; Projekte, die zu teuer oder aus anderen praktischen Gründen nicht durchführbar waren; oder einfach vergessene Projekte. Haben Sie unvollendete Projekte?

ebenfalls Kulturergänzung 9. August 2026 Was man nicht sieht

Xhafa: Was nicht verwirklicht wird, ist nicht abwesend, es nimmt lediglich eine mentale Form an. Es bleibt als Druck bestehen, als offene Möglichkeit, als etwas, das weiterwirkt, ohne sich zu manifestieren. Zum Beispiel: einen Marathonlauf im Rollstuhl. Eine Idee, eine Liebe, ein Wahnsinn. Jetzt bin ich überzeugt, dass ich ihn nie verwirklichen werde. Aber das bedeutet nicht, dass er nicht mehr existiert. Im Gegenteil, vielleicht gerade weil er nicht verwirklicht wurde, bleibt er stärker, reiner. Nichtverwirklichung ist kein Scheitern. Es ist eine andere Form des Daseins. Manche Dinge müssen in einem Zustand der Spannung verharren.

Interview im Auftrag der Nationalgalerie des Kosovo für den Katalog zur Einzelausstellung des Künstlers Xhevdet Xhafa. Veröffentlicht mit freundlicher Genehmigung der Nationalgalerie des Kosovo.