Kulturergänzung

Der Kopf, der vom Körper getrennt und mit Scham verbunden wird

Szenen aus dem Theaterstück „Die Kammer der Schande“

Eine Szene aus dem Stück „Kamarja e turpit“, basierend auf dem Werk von Kadare, dramatisiert von Doruntina Basha, unter der Regie von Kushtrim Koliq, wurde am 13. März dieses Jahres im Nationaltheater des Kosovo uraufgeführt (Foto: TKK)

„Kamarja e turpit“ – Premiere des Nationaltheaters des Kosovo, laut Kadare, Dramatisierung von Doruntina Basha, Regie: Kushtrim Koliq – lässt einen gleichgültig und als würde man uns sagen: „Großartige Arbeit“. Darüber hinaus scheint das Spiel mit den über die Bühne geworfenen Köpfen das Essen der Satrapen der Macht zu legitimieren, die den Staat mit sich selbst identifizieren, aber solche Aktionen rufen beim Zuschauer überraschenderweise keine störenden Emotionen hervor, während die Vorstellung sexueller Erregung entsteht Die durch den Tod verursachte Gewalt bleibt Ziel an sich und zerbricht das Verhältnis des Menschen zum Leben nicht weiter

In diesen Tagen hat das Nationaltheater des Kosovo laut Kadare das Stück „Kamarja e turpit“ uraufgeführt, eine Dramatisierung von Duruntina Basha unter der Regie von Kushtrim Koliq. Um es gelinde auszudrücken: Die Aufführung entsprach nicht den Erwartungen des Namens des Theaters und des Hauptautors Ismail Kadare.
Voller expliziter Aussagen, die den Betrachter schockieren sollen, ohne die Dimensionen des Lebens einzufangen, behandelt er den Menschen nicht auf eine hinterfragte Art und Weise, außer dass er vorgibt, das Tabu zu brechen und einen gewissen Mut zu demonstrieren, was zur Perversität führt.

Masturbieren für einen Höhepunkt, der kein menschliches Aroma hat, aber keine Ahnung hat, die als weißer Rauch austritt, sondern als perverser Akt in sich bleibt, der weder stört noch eine Reaktion hervorruft.
Szenen, die mit trotzigen Geräuschen aufgebaut sind, lassen Sie das Drama nicht spüren oder verstehen, egal wie sehr ich versuche, Sie mit einem kraftvoll konstruierten Rhythmus in Atem zu halten, wo das Regieschema Sie nicht durch die dramatische Ausarbeitung, die Ursache und das Gegenteil überzeugt. Das Wirkungsproblem der Behandlung des Themas enthält keine Harmonie in der angeblichen Disharmonie, da die lineare Lesart von Kadare das Problem nicht erfassen kann, warum die Nische und warum die Schande und wo der Mann, dessen Ausdruck das Theater ist. Die qadarianische Sprache ist in der Dramatisierung und daher auch nicht in der Aufführung nicht vertreten, weil es ihr nicht gelungen ist, in die Schichten des subtextuellen Bedeutungsvermögens einzudringen, aus denen der Dramatiker und der Regisseur die dramatische Materie herausquetschen müssten, um sie von dort zu extrahieren theatralischer Ausdruck im bedeutenden Geist des Autors. Da ich keine kritische Konversion in Bezug auf die Zeit, in der wir leben, hatte, kam mir das Ganze wie eine Art Hymne des Bösen vor, die ganz rot (sprich: Blut) ist, ohne ein grünes Blatt, um der durch Ehrgeiz verseuchten Atmosphäre Sauerstoff zuzuführen . Satrapen ernährten sich von Blut und Schande. In der Art und Weise, wie der Vorfall dargestellt wird, scheint es, als handele es sich um ein Modell, eine Präferenz oder, um es milde auszudrücken, um eine angebrachte Behandlung und nicht um eine Drohung, Angst oder Besorgnis darüber, dass so etwas zum Stau werden könnte, wenn es so wäre im Prozess, der heute geschieht, und das ist es auch.

Die Charaktere mit uniformierten Charakteren, die nicht sie selbst, sondern Marionetten des Regisseurs sind, reichen aus, um modern wirkende Szenen zu choreografieren, in denen der modernistische Anspruch kein Ausdruck ist, sondern zu einem schützenden Unterschlupf wird. Das Bewegen auf der Bühne mit Rollen kann weder als Umrechnung der Zeit noch als Verweis auf die Zeit, von der das Stück spricht, noch als ausgetretenes Rad der Geschichte einen Sinn finden.

Die Darstellung der Charaktere bleibt ein unerfüllter Versuch, Ideen einzufangen, die nicht mit dem subtilen qadarianischen Ausdruck übereinstimmen, bei dem Dinge gesagt, aber nicht benannt werden, bis das Stück nichts hinterlässt, was sowohl in Worten als auch in körperlichen Handlungen explizit geschieht. Zwar lässt die große Präsenz von Blut auf eine Tendenz aus dem Schauplatz der Brutalität schließen, doch die Analyse lässt den Schauplatz des Blutes außer Acht, trotz der abgetrennten Köpfe als Zeichen des kompromisslosen Kampfes der Autokraten, einer permanenten Bedrohung gieriger Mächte hier und dort, überall auf der Welt. Das Stück schafft es nicht, das Mark der Angst zum Vorschein zu bringen, noch den Schmerz der Tränen wie in Artos Bluttheater, das zu einer Reaktion aufruft, durch Angst und Schmerz stark provoziert, bis Koliqs „Kamarja e turpit“ einen gleichgültig und gleichgültig zurücklässt Sagen Sie uns: „Arbeiten Sie groß“. Darüber hinaus scheint das Spiel mit den über die Bühne geworfenen Köpfen das Essen der Satrapen der Macht zu legitimieren, die den Staat mit sich selbst identifizieren, aber solche Aktionen rufen beim Zuschauer überraschenderweise keine störenden Emotionen hervor, während die Vorstellung sexueller Erregung entsteht Der durch den Tod verursachte Schaden bleibt Ziel an sich und zerstört nicht weiter die Beziehung des Menschen zum Leben, zur Zufriedenheit (Selbstzufriedenheit) oder zur Selbstzerstörung infolge emotionaler Dehydrierung, wenn das Leben vom Tod berührt wird.

Der Show mangelt es an Inhalt, während die Charaktere keine Beziehungen haben, die den Mechanismus autoritärer Herrschaft verdeutlichen.

Als thematischer Vergleich fällt mir Orwells Drama „1984“ ein, in dem die Vorhersagen einer Eskalation politischer Gewalt mit romantischen Gefühlen zur Kontrolle über alles verbunden werden, in der Nische von Kolik wirken die Inspektoren abgetrennter Köpfe wie Banalität mit einer Intonation von schwarzer Humor, aber er streckt seinen Kopf nicht raus, um uns etwas zu sagen. Um die Trends zur Bekräftigung sexueller Freiheiten einzufangen, stellt er nebenbei die Farbe der Lichter auf dem Def als Zeichen der LGBT-Entität dar, berührt sie jedoch nicht als Unterthema und ironisiert auch nicht das Stereotyp des heutigen Doubles -Blindheit, außer um dem Trend zu helfen.

Die Zerstörung der Erzählung oder der Prozess der nationalen Assimilation als Prozess der menschlichen Assimilation

Die befehlenden Stimmen des Sprechers, ähnlich den aktuellen „Big Brothers“, von denen aus der Zerfall der Intimität im Leben innerhalb der Mauern der Isolation gesteuert wird, lesen sich wie eine Aktualisierung, die sich aber nicht auflöst. Wir wissen nicht, ob die Verdrehung eines Menschen geschieht, um das Böse oder das Gute in ihm zum Vorschein zu bringen, oder einfach, um ihn seiner selbst zu entledigen, indem man ihn in ein manipulierbares Objekt verwandelt.
Die Albaner, die zur Beute der Krähen werden, sind die ironische Stimme von Kumt für die verlorene Identität oder nationale (Selbst-)Assimilation als Prozess der menschlichen Assimilation. Die Mischung aus Jahren jetzt und damals, einmal und jetzt sollte als vergleichende Beziehung zum Drama im Inneren aufgebaut werden und nicht als Zurschaustellung von Trommelwörtern, die Medien sind und nicht einmal ins nächste Café gehen.

Die Interpretation von Adrian Morin

In der gesamten Show sticht die Leistung von Adrian Morin hervor, der als Charakter eher durch Charaktereigenschaften gekennzeichnet ist, die er mit verbalen und körperlichen Handlungen hervorhebt, die er dann in Charakter übersetzt, der mit inhaltlichen und künstlerischen Nuancen interpretiert wird.
Auch die Leistung von Bislim Mucaj in der Rolle von Ali Pasha Tepelena verleiht dem Stück eine menschliche Note, auch wenn seine vertikale Platzierung auf der Bühne den Schauspieler und die Idee von Ali Pasha Tepelenas Bewegung im historischen Bericht „Der Kopf hinein“ behindert Istanbul, die Leiche in Ioannina“.

Musiksäulen als ästhetische Belüftung der Show

Was als Ästhetik der Show wertvoll war, waren die schönen Klänge im Hintergrund oder die vom Chor gesungenen Musikpartituren als ein Volk der Zukunft ohne Profilierung. Diese Lösung verleiht der Show ein ästhetisches Flair und Spannung und weckt Nostalgie für den Klang des verblassenden Erbes.

Was will uns die Show sagen?

Das Streben nach dem Pascha oder die Unwissenheit des absoluten Herrschers, der die Lampe der Welt, die von Aladdin, auslöschen will, mit der Ali behauptet, Albanien zu erleuchten, indem er es zu einem Staat oder einem Pascha macht, und nicht aus der Notwendigkeit der Aneignung , aber mit dem einzigen Motiv, die größte Herrschaftsgeographie zu haben.
Dem Satz „Ich möchte in Erinnerung bleiben, wenn ich nicht mehr bin“ widerspricht der Autor des Stücks fast nicht, noch schlägt er Alarm vor der Gefahr durch die mit Demokratie verpackten Herrscher in der Zeit, in der wir leben, aber das habe ich gesagt Dieser Satz wird normal, weil er heute „in“ ist, wenn er an das Böse erinnert und mit Anbetungsreizen, trotz der Zertrampelung des menschlichen Gehirns, wo Gewalt zur Normalität wird, anstatt innerhalb der Erzählung Aufruhr auszulösen und Besorgnis als Referenz zu provozieren was wir Höhepunkt oder Katharsis nennen.

Tungj Hatai, der hart, grausam und herzlos ist, hat Despotismus in Keuschheit zum Instinkt verwandelt, die Aufregung zeigt deutlich, dass er vom Körper getrennt werden möchte, denn den Kopf braucht nicht der Körper, sondern die Scham. 
Der Mensch verliert seinen Mann (sprich Mensch), es gibt keinen Arzt oder keine Ärztin, die ihn von seinem kranken Ehrgeiz und Herrschaftsdrang ebenso heilen kann wie von sexueller Erregung. Mit dieser Bedeutungsverengung zerfällt Kadareja und das Drama sagt nichts, was uns zum Weiterdenken auf der Suche nach dem verlorenen menschlichen Weg anregen könnte.

Als solche hinterlässt die Show einen mit nichts, sie schickt einen nirgendwo hin, ohne Adresse, sie ist aufgebaut wie ein Video-Spot einiger Rap-Songs, in dem alles für eine ohnmächtige Aufregung „erlaubt“ ist, egal, wo es hinkommt auf Farce.

Vielleicht hat sich die Show mit dem Virus des ursprünglichen Dramas angesteckt, das der Prüfer nicht finden konnte, der Zwillingsfreund auf YouTube, da Schauspieler, Regisseure und Dramatiker über die Leistungen ihrer Kollegen sagen, unmittelbar nachdem sie ihnen zu einer erfolgreichen Show gratuliert haben: „Ich weiß, wo er ist.“ habe es".

Mit einigen Ausnahmen spielen Schauspieler Situationen und keine Charaktere

Neben Armond Morina nahmen auch Armend Smajli, Ylber Bardhi, Bislim Muçaj, Kosovare Krasniqi, Zana Berisha, Fiona Abdullahu, Art Pasha, Gentrit Shala, Florenta Bajraktari, Jehona Gashi, darunter Gresa Pallaska, teil. Es erfüllt Bühnenaufgaben, ohne das Ziel des Theaters zu berühren: die Beziehung zu sich selbst, zum anderen und zum Leben im Allgemeinen als Figuren.

Die Charaktere müssten Kunden von Fromm und Freud sein

Erich Fromm erklärt den Prozess der Vorstellung vom Menschen, der zu Gott wird, und verwandelt ihn in die Vorstellung, wo Gott zum Menschen wird. Da könnte die Show genau richtig sein, aber was blieb, war Selbstbefriedigung und Fantasie reicht nicht bis zur Liebe.

In dieser Krankheit der Zeit ist es so, als würde der Mensch sterben, der in einen Roboter, also einen Sklaven, entfremdet wird, und Sklaven wissen nicht, wie man rebelliert. Köpfe werden abgeschlagen, aber der Duft des Lebens wird nicht sein, weil das Abtrennen der Köpfe selbst zum Motiv wird und die Herrscher sich so verhalten, als hätten sie Gott nicht auf dem Kopf, sondern hätten ihn zu ihrem Partner gemacht.

Wenn wir fragen, warum die Aufführung gemacht wird, warum das Theater den Nationaltitel trägt, warum all diese Morbidität als unnötiger Akzent, egal wie schockierend es für die ungebildete Mentalität ist, zu akzeptieren, was sie heimlich mit sich selbst macht, ist die Antwort Schamlosigkeit und verirrt sich im Foyer des Theaters.

Der Dramaturgie und dem Regisseur ist es nicht gelungen, die Qadarian-Metapher in Bühnenaktionen zu zerlegen, sodass die Show uns etwas mehr erzählen könnte und nicht nur mit angestrengten Bewegungen und einem Rhythmus summt, der keinen Grund zur Sorge gibt und keine lächerliche Bedeutung erzeugt .

Nachdem er in mehreren anderen Shows eine gute Meinung über Koliqs Regie hatte, war dies dieses Mal nicht der Fall.

Warum?

Da sich die Serie nicht mit dem Thema auseinandersetzte, gab es weder einen Protagonisten noch einen Antagonisten, der einer dramatischen Konfrontation würdig gewesen wäre. Es gab keine Charaktere mit gebauten Charakteren, die Bühnenereignisse und Konflikte hervorriefen. Weil die Erzählung fehlte, ohne die man die Ästhetik nirgends aufhängen kann. Bis das Geständnis gefunden ist, müssten wir Freud durchstöbern, der uns lehrt, wie Leidenschaften dem Geist untergeordnet werden sollten, und der uns die Bedeutung der Intimität finden kann, die uns fehlt und die wir weiterhin nähren.