(The Guardian) – Henry Moore glaubte, dass „Skulptur eine Kunst der freien Luft ist“ und dass seine Werke „in fast jeder Landschaft und nicht im oder am schönsten Gebäude“ zu sehen sein sollten.
Nun planen die Royal Botanic Gardens in Kew die weltweit größte Freilichtausstellung, die dem Sohn eines Bergmanns gewidmet ist, der zu einem der bedeutendsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts wurde.
Dreißig von Moores monumentalen Skulpturen werden auf 130 Hektar dieser zum UNESCO-Weltkulturerbe gehörenden Landschaft mit Aussicht und historischen Glasgewächshäusern ausgestellt.
Darüber hinaus werden 90 weitere Werke – von Stichen bis zu Zeichnungen – die Shirley Sherwood Gallery in Kew füllen, während im Wild Botanical Garden in Wakehurst, Sussex, seine Skulpturen neben neuen Auftragsarbeiten zeitgenössischer Künstler ausgestellt werden.
Die Ausstellung mit dem Titel „Henry Moore: Monumental Nature“ findet von Mai bis September 2026 statt.
Es spiegelt seine lebenslange Faszination für natürliche Formen und Materialien wider. Er bemerkte einmal: „Die Natur bringt eine erstaunliche Vielfalt an Formen, Mustern und Rhythmen hervor … Doch die Natur einfach nur zu kopieren ist nicht besser, als etwas anderes zu kopieren. Wichtig ist, was der Künstler aus seinen Beobachtungen schafft.“
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Die Ausstellung findet in Zusammenarbeit mit der Henry Moore Foundation in Hertfordshire statt, die die meisten Werke als Leihgabe zur Verfügung stellt.
Sebastiano Barassi, Leiter der Sammlungen der Stiftung, sagte: „Moore bevorzugte die Natur gegenüber städtischen Landschaften, weil er der Meinung war, dass die organischen Formen seiner Skulpturen besser mit den organischen Formen der Natur harmonierten. Wir versuchen, den Besuchern diese enge Verbindung zu verdeutlichen.“
Die Ausstellung wird einige seiner berühmten liegenden Figuren sowie abstraktere Werke wie „Large Two Forms“ umfassen – „obwohl Moore es nicht mochte, wenn seine Skulpturen als abstrakt bezeichnet wurden“, sagt Barassi.
„Er fühlte sich immer mit der Natur verbunden, und viele seiner Werke begannen mit einem realen Objekt – sei es ein Knochen, ein Stein, ein Stück Holz, das er aus dem Meer holte –, das er dann zu etwas verarbeitete, das zu seiner skulpturalen Sprache gehörte.“
Barassi sagte über das Werk „Large Two Forms“: „Es ist eindeutig organisch inspiriert und erinnert an Felsformationen mit Freiräumen, durch die man die Landschaft sehen kann – im Wesentlichen eine Verschmelzung der Skulptur mit der umgebenden Natur, ganz so, wie Moore die Ursprünge seiner Skulptur würdigen wollte. Hier entsteht ein wunderbarer Kreislauf. Man greift Ideen aus der Natur auf, schafft eine Skulptur und setzt diese dann wieder in die Natur ein.“
Moore, der 1986 starb, arbeitete auch gern im Freien. Nach seinem Umzug nach Hertfordshire im Jahr 1940 nutzte er das unwegsame Gelände in der Nähe, um mit der Positionierung seiner Werke im Verhältnis zum Himmel und zu den Bäumen zu experimentieren.
Paul Denton, Leiter der Kreativprogramme bei Kew, sagte: „Wir erweitern unser Publikum, daher ist die Idee, dass wir Menschen ansprechen können, die Moore noch nie zuvor begegnet sind, sehr wichtig.“
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„Diese monumentalen Formen werden sich wunderbar in die Landschaft von Kew einfügen. Sie werden eine direkte Beziehung zur Landschaft haben – wie man die Eingänge und Gassen wahrnimmt, wie sie auf die Skulpturen treffen und sie umgeben. Durch eine skulpturale Intervention kann man den Ort mit anderen Augen sehen – und genau das wollen wir erreichen.“
„Wir arbeiten viel mit Künstlern zusammen, weil wir wissen, dass sie für die Vermittlung einiger der recht komplexen Themen, die Kew behandelt, unerlässlich sind – sei es Klimawandel oder Artensterben. Künstler können das auf wunderbare Weise. Moores Werke sind eine Fortsetzung davon. Auch wenn es sich um sehr aktuelle Themen handelt, ging es Moore dennoch darum, uns durch die Platzierung seiner Werke in dieser Umgebung für die Natur um uns herum zu interessieren“, fügte er hinzu.
Moore sagte einmal: „Die Natur ist unerschöpflich. Die Natur nicht zu betrachten und in seinen Werken zu verwenden, ist für mich unnatürlich.“
Henry Moore wurde 1898 in Castleford, einer kleinen Bergbaustadt in Yorkshire, England, geboren.
Schon in jungen Jahren wusste er, dass er Bildhauer werden wollte, absolvierte jedoch widerwillig eine Ausbildung zum Lehrer, bevor er während des Ersten Weltkriegs zur Armee ging.
Dank eines Stipendiums für Kriegsveteranen verwirklichte er 1919 seinen Traum, Künstler zu werden. Er besuchte zunächst die Leeds School of Art und anschließend das Royal College of Art in London. Dort lernte er Irina Radetsky kennen, die er 1929 heiratete.
In den 1920er Jahren konzentrierte sich Moore darauf, seinen Ruf als Bildhauer auszubauen. Er studierte die Kunst der Vergangenheit und seiner Zeitgenossen, nahm Ideen auf und entwickelte gleichzeitig seinen eigenen, individuellen Stil. In den 1930er Jahren gehörte er zu den bedeutendsten Avantgarde-Bildhauern Europas.
Während des Zweiten Weltkriegs musste sich Moore aus gegebenen Gründen auf das Zeichnen konzentrieren. 1943 erhielt er jedoch den Auftrag, eine Skulptur der Jungfrau Maria mit Kind für die St. Matthew's Church in Northampton zu schnitzen.
Dies war das erste von mehreren Werken, die Moore unmittelbar nach dem Krieg schuf. Sie konzentrierten sich auf erkennbare menschliche Motive (wie seine Zeichnungen von Schutzräumen), wie sitzende Figuren und Familiengruppen.
In Großbritannien wurde die Kunst zu einem wesentlichen Bestandteil der Rehabilitation und des Wiederaufbaus des Landes.
Moore betonte häufig die bürgerliche Verantwortung des Künstlers. In den späten 1940er und 1950er Jahren schuf er eine außergewöhnliche Reihe öffentlicher Werke in Schulen, Krankenhäusern und Wohngebieten.
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Auch sein internationales Ansehen wuchs. Weltweit fanden Ausstellungen seiner Werke statt, darunter 1946 eine große Retrospektive im Museum of Modern Art in New York. 1948 gewann er auf der Biennale in Venedig den Internationalen Preis für Skulptur.
In den 1950er Jahren folgten mehrere wichtige öffentliche Aufträge, darunter die Liegende Figur (1956–58) für den UNESCO-Hauptsitz in Paris.
